NAIVNA UMJETNOST

Naivna (primitivna, izvorna) umjetnost je naziv za likovna djela samoukih umjetnika. Naivna umjetnost se kao poseban pravac unutar umjetnosti 20-og  vijeka javlja u mnogim državama Evrope, koji koji se ne slažu sa dominantnim tokovima u umjetnosti svoga doba.

pijetao-naiva

Naivna umjetnost je autonomna umjetnost koja postoji nezavisno od jasno određenih odlika stila i umjetničkog obrazovanja, odvojena od spoljašnjih uticaja. Izolovana je – što kao posledicu ima raznovrsnost likovnih rješenja. Ne trpi pravila. Pravila se obično otkrivaju tek po završetku slikarskog čina. Nemoguće je naučiti je – kao što se ni talenat ne može naučiti. Stihijska je u nastupu rađanja oblika – jer je spontana. Ne želi da uči, već nam, zahvaljujući neobuzdanoj mašti stvaralaca, nameće svoje osobeno pismo i nove oblike estetskog.

maxresdefault

Naivna umjetnost u principu posvjećuje dosta pažnje detaljima, živim bojama, folklornim motivima i životu prostog naroda, naročito seljaka.

Termin „ naivna“ je prvi put upotrebljen u 19. vijeku kao opis slikarstva Anrija Rusoa, slikara sa Haitija.

Poznati naivni umjetnici iz 19. i prve polovine 20. vijeka su: Anri Ruso, Serafin Luj, Andre Bošan i Ferdinand Ševal iz Francuske, Kandido Lopez iz Argentine, Edvard Hiks iz SAD, i Niko Pirosmani iz Gruzije. Poslije Drugog svjetskog rata, pojavili su se Antonio Ligabue iz Italije, Radi Nedelčev iz Bugarske, Krsto Hegedušić, Ivan Generalić i Ivan Rabuzin iz Hrvatske, Janko Brašić i Zuzana Halupova iz Srbije.

img_6909

img_6896

Naivna umjetnost iz Kovačice ili „kovačička naiva“ je naziv za školu „naivne umjetnosti“ koja se razvila u selu Kovačica. Kovačica ima veliki značaj na mapi svjetskog naivnog slikarstva i predstavlja svojevrsnu metropolu naive. Ovo malo selo duže od četrdeset godina zadivljuje svijet svojom umjetnošću, a posebno slikarstvom. U svojim djelima svako od kovačičkih slikara donosi autentično i svojevrsno slikarstvo koje se razlikuje po motivima ili po stvorenom svojevrsnom izrazu. Svaki od slikara ima svoj stil i prepoznatljivo slikarsko pismo. Tu se izdvajaju slikari kao Martin Jonaš prepoznatljiv sa svojim hipertrofiranim udovima, Zuzana Halupova  koja na svojim platnima najčešće slika djecu, na slikama Jana Venjarskog su konji a Ondereja Venjarskog su volovi.

Lackovic-zima_u_selu_3

Naiva u Hrvatskoj

Za njenu afirmaciju u Hrvatskoj od odlučujuće važnosti bila je pojava „Hlebinske slikarske škole“ kada je početkom 30-tih godina prošlog vijeka u Hlebinama, selu nedaleko od Koprivnice Krsto Hegedušić sa seljacima Ivanom Generalićem i Franjom Mrazom počeo intenzivno slikati tehnikom ulja na staklu, čime stječu svjetsku slavu.

Nakon II. svj. rata Ivan Generalic postaje središnja ličnost Hlebinske škole i podučava većinu predstavnika tzv. druge generacije kojoj pripadaju: Mijo Kovačić, Ivan Večenaj, Ivan Lacković Croata, Dragan Gaži, Franjo Filipović i Martin Mehkek. Značajno ime predstavlja i Josip Generalić, sin Ivana Generalića čija galerija danas dopunjuje i obogaćuje  bogatstvo naive i turističke sadržaje. Tu su još; Emerik Feješ, Dragan Gaži, Branko Lovrak, Ivan Rabuzin, Matija Skurjeni, Petar Smajić, Ivan Večenaj, Mirko Virius, Željko Dolovski i dr. Djela ovih umjetnika najčešće naglašavaju romantični koncept podravskog krajolika i lirsku idealizaciju seoskog života. Neki naivci nisu ostali na „seoskoj idili“ već su svojom imaginacijom pravili značajne pomake i naivnoj umjetnosti davali nove pečate. Spomenuo bih Josipa Generalića koji uspijeva naći vlastiti put koji će ga sve više razlikovati od slikarstva hlebinskoga kruga. On je tipičan produkt ovoga našeg vremena – sukoba i suživljavanja ruralnog i gradskog. Njegove svjetske teme, teme iz svijeta show-businessa i filma upozorile su su na nov i drugačiji interes, na osjećanje  modernog vremena, na autorovo pripadanje tom vremenu.

img_6883

Nisam ljubitelj naivne umjetnosti ali je poštujem kao likovni pravac. Nekada se prijatno iznenadim kada vidim tako jednostavna i dobro promišljena rješenja, zanatski i tehnički jako dobra naslikana. „Crna faza“ Josipa Generalića je vrlo originalan nadrealizam u maniru naivnog slikarstva i možda dobar primjer toga.

I.Generalic - Drvosjece, 1959

i-generalic-jelen-u-sumi-59

Naivna umjetnost danas više nije toliko aktuelna a „naivci“ kao da su utihnuli, rjeđe se pojavljuju i izlažu. Kao da su nestali sa likovne scene!

Možda se u skorije vrijeme pojave neki novi „turbo“ naivci, ostaje da se vidi.

Možda je baš ovo vrijeme u kome sad živimo „pravo vrijeme“ za nastajanje novog i autentičnijeg likovnog pravca.

Motivi na slikama naivaca često me mnogo asociraju na razne komedijaške scene kao iz nekih starih filmova, a to i nije baš daleko od svega što se oko nas dešava. Selo je došlo u grad i evo „lajt motiva“ za novu „turbo naivu“. Treba to samo neko da naslika, ne mora to biti na staklu! Siguran sam da bi to ponovo pobudilo veliki interes i mnogi bi se u tome prepoznali. Zov „zavičaja“ bi proradio! Na otvaranju  izložbe  bilo bi mnogo svijeta i zvanica, a prigodno bi bilo da zapjeva neka od „folk diva“, bar toga ima na pretek. Ako baš bude problem oko izbora „ pjevaljke“,  za dobre pare doći će neko iz Srbije. To bar nije problem, ima ovdje dobrih domaćina koji ne „ žale“ da plate, da se pokažu. Možda ne bi bilo loše odabrati i nekoga za „ kuma“ izložbe. Zaboga to je izložba treba se pokazati.  Obavezno doći, a potruditi se da nekoga sa sobom i povedete jer žurka  će sigurno biti dobra. Progurati se ako je to ikako moguće među prve redove da što bolje čujete ko priča tj. otvara izložbu. Biti viđen!  Voli narod da malo i pojede, malo meze i rakije.  Kako bi to bilo dobro!

13cb7d8b9df0e2b148bbfb80d9bd5736

Eto, da li smo na dobrom putu da nam kultura opet malo živne? Prosudite sami? Ja samo predlažem, možda i nije najbolje rješenje a ako nije: Koje je onda? Ima li uopšte neko da o kulturi bar malo razmišlja ali ni to ne bi bilo baš dovoljno jer u kulturu treba ulagati. Siguran sam da bi se to mnogostruko isplatilo jer tako rade sve civilizovane zemlje. Dosta sam putovao i mnogo toga vidio kako to drugi rade. Nisu oni pametniji od nas već su prepoznali šta pojam kulture uopšte znači. Narod bez kulture i nije narod, a mi imamo svoju kulturu koja već vijekovima traje ali je smatram nismo na pravilan način prezentovali. Prezentujemo je na način koja možda i nije kultura već „sub“ kultura. Pogrešna slika o nama ide u svijet, zar to ne bi trebalo promjeniti?

Možda ima tu malo mog sarkazma ali će se sigurno mnogi sa mnom složiti da ima tu i mnogo istine. Iskreno, žao mi je što je sve to tako, ali pojedinac tu ništa ne može učiniti već ja samo konstatujem, valjda tu nije moj grijeh? Od kulture „živim“ a kulture nema. Ali za one, ne baš dobronamjerne  reći ću da i ne živim baš toliko loše. Imam samo najbolju namjeru i želim da se mnoge stvari na bolje promijene. Mnogi bi nas više poštovali i na drugi nači doživljavali.

Namjera mi je bila da naivno slikarstvo i njene predstavnike pokušam  predstaviti na pravi način ali tokom pisanja osjetio sam potrebu da napravim  komparaciju između  naivne umjetnosti, vremena u kome živimo i kulture.

A sada i jedna zanimljivost, ali u svakom slučaju provjerena istina; Seoske idile, kućice,  patkice, kuce-mace, kolekcionari su nastojali da imaju u svojoj kolekcij, bar nešto od toga ali uglavnom nekog od poznatijih naivnih umjetnika. Bio je to period koji na ovim prostorima nije dugo trajao ali je bio zlatni period za slikare naivce. Ovi slikari nisu bili „naivci“ već priznati slikari, uvažavani, cijenjeni i kod publike ali i kritike. Slike su im postizale dosta visoke cijene a neki su zaradili veliki novac.

Naivni umjetnici najčešće slikaju na malo debljem staklu tako da se velika pažnja mora posvetiti kod rukovanja sa tim slikama. Kod loma stakla nema više načina da se slika popravi. Takav slučaj sam i ja imao kada mi je slika J. Generalića ispala iz ruke, više nije bilo pomoći i šteta je učinjena.

04Kravevozedrva

Baveći se galerijskim poslom neke od naivnih slikara imao sam priliku da upoznam. Sa Ivanom Lackovićem Croatom i Josipom Generalićem sam imao dobru poslovnu saradnju i dosta vremena sam  proveo sa njima u prijatnom razgovoru. Josipu Generaliću sam 1990. godine postavio i samostalnu izložbu u svojoj galeriji i velika  medijska pažnja je tome bila posvećena. Uspjeli smo da prodamo i dosta slika.  Bio je to dobar period za mene kao galeristu a i za njih.

the-decease-of-mirko-mirius-1959

Grafičke tehnike

Grafičke tehnike su svi materijali i način njihovog korištenja pri oblikovanju umjetničke grafike. Kod grafičkih tehnika najprije se izrađuju matrece, s kojih se slika otiskuje na papir ili na neku drugu podlogu.

  • Drvorez
  • Bakrorez
  • Bakropis
  • Litografija
  • Akvatinta
  • Mezzotinta
  • Suva igla
  • Monotopija
  • Sito štampa

DRVOREZ

t0YnheE

Drvorez je grafička tehnika visoke štampe. Drvorezu dolazi ime od drveta kruške ili trešnje koja mu služi kao podloga ili matrica. Drvorezac načini drvorez tako da nožićem izreže drvenu ploču. Cijelu površinu podloge izdubljuje i nožićem obilazi a ostavlja netaknuta ona mjesta koja će mu poslužiti pri otiskivanju drvoreza na papiru kao nosioci boje za konturu. Kasnije, kada ta izbočenja prevuče bojom i stavi u presu, dobiva na papiru crtež. Grafička tehnika srodna drvorezu zove se linorez.

Drvoresci kada otiskuju drvorez u crtama, ponekad joj naknadno otiskuju na gotovom listu neke dijelove u boji. To načine tako da uzmu novu ploču na kojoj označe isti crtež koji im je služio kao pomagalo kada su nožićem izrezivali drvorez u čistim crtama. Ali tada ne izrezuju kao ranije svaku konturu, nego samo onoliku površinu koja je potrebna da se bojom ispuni oblik.

Dok su evropski majstori svom drvorezu davali oznaku brutalnosti, Japanci su mu davali oznaku profinjenosti. Zato je evropski drvorez bliži crtežu, a japanski slici.

LINOREZ

download

Linorez je grafička tehnika visoke štampe. Linorez predstavlja svojevrsnu alternativu tehnici drvoreza. Za razliku od drvoreza, gdje se upotrebljavaju drvene ploče, linorez se realizuje urezivanjem u ploču linoleuma.  Kao i drvorez, linorez je moguće štampati ručno ili na grafičkim presama za visoku štampu. Linorez se mnogo lakše izrezuje nego drvorez, međutim, pritisak u procesu štampanja troši ploču znatno brže i teže je stvoriti veći broj otisaka zbog krhkosti materijala. Izrezana ploča se nabojava valjkom i štamparskom bojom i zatim se otiskuje.

BAKROREZ

2009_02_11_bakrorez_lot_kceri_400

Bakrorez ili gravura je grafička tehnika duboke štampe, u kojoj se u cinkovu ili bakrenu ploču oštrim udubljivačem, iglom urezuje crtež, te se udubljenja ispunjavaju bojom. Otiskivanje se vrši u stroju pod jačim pritiskom. Crtež se tiska na posebnom grafičkom papiru koji je prethodno stajao u vodi. Pored linearne čistoće, ljepota bakroreza se ogleda i u reljefnosti crta koja nastaje zbog jakog pritiska prese tj. ulaženja papira u sva udubljenja iz kojih preuzima boju.                 Bakrorez je mehanička tehnika a bakropis hemijska, to su dvije zasebne grafičke tehnike.

BAKROPIS

bakropis

Bakropis je jedna od hemijskih grafičkih tehnika duboke štampe, oštrih i sočnih linija. Tehnika nije komplicirana ali zahtijeva preciznost u radu.

Na bakarnoj ploči, prethodno obrušenoj, matiranoj i očišćenoj, nanosi se bitumenska presvlaka koja je otporna na dejstvo kiseline. Tankom iglom graviramo crtež, koji potom stavljamo u rastvor azotne kiseline određeno vrijeme, ovisno od toga koliko želimo da nam linije budu tamne odnosno svijetle. Zatim skidamo zaštitni sloj, operemo ploču od nečistoće i masnoće i ploča je spremna za otiskivanje. Nanosi se štamparska boja te prolaskom kroz štamparsku presu za duboku štampu, ovako nabojeni crtež se otiskuje na papir. Osim bakarnih ploča, mogu se koristiti i cinkane i gvozdene ploče. U tom slučaju, sastav kiseline se razlikuje.

LITOGRAFIJA

litografija

Litografija (od grčke riječi lithos, „kamen“-graphein, „pisati“, kamenotisak) je grafička tehnika plošne (ravne) štampe sa kamene ploče.

Umjetnik masnim litotušem ili litokredom nanosi crtež na kamen, zatim se kamena ploča nadgriza gumiarabikom i azotnom kiselinom. Štampanje kamenom pločom zasniva se na principu adhezije između masnoće i vode. Kamen, koji se prije procesa štampanja ovlaži vodom odbija vodu tamo gdje je crtež, a na tim mjestima prima boju koja se valjkom nanosi na ploču. Otisci se prave pomoću posebne litoprese.

AKVATINTA

2005-merten-mc3a4c3a4rc3a4npc3a4c3a4-etsaus-akvatinta-79x50-cm1

Akvatinta je grafičaka tehnika duboke štampe, slična bakropisu, ali pruža mogućnost dobivanja većeg broja tonova. Kod akvatinte, ispolirana metalna ploča se naprašuje prahom smole (asfalta i kolofonijuma) koji se zatim podvrgava topljenju a nakon toga izlaže djelovanju kiseline. Pokrivanjem svijetlijih dijelova grafičke slike bitumenskom prevlakom se produžuje proces nagrizanja ploče i postiže sve izražajniji stepen zacrnjenja. Umjetnik je u mogućnosti da pomoću ove tehnike izgradi grafičku sliku bogatu tonskim gradacijama, od najsvjetlijih do maksimalno zasićenih tonova.

Po svojoj izražajnosti, akvatinta podsjeća na tehniku laviranja.

MEZZOTINTA

mezzotinaa

Mezzotinta (franc. manière noire, njem. schabkunst, engl. mezzotint), grafički proces duboke štampe  pri kojem se matrica izrađuje mehaničkim putem. Izum mezzotinte se pripisuje Ludwigu von Siegenu (1609. – 1680.) sredinom XVII vijeka

Tehnika se zasniva na nazrnčavanju metalne (bakarne) ploče uz pomoć njihalice (kolijevke), specijalnog alata koji ima kanalisanu oštru reznu površinu, pokretima u četiri smjera. Sa ovako ravnomjerno nazrnčane  površine se preciznim  mjestimičnim uklanjanjem zrna postižu tamniji ili svjetliji tonovi. Ploča se boji i briše kao kod duboke štampe i štampa na presi za duboku štampu.

Ova spora tehnika koja zahtijeva preciznost i strpljivost grafičara se danas rijetko koristi.

Prva poznata mezzotinta, Ludwig von Siegen, 1642.

Rana mezzotinta Vailleranta, Siegenova pomoćnika ili tutora. Mladić koji čita, s Kupidovim kipom.

SUVA IGLA

suva

Suva igla je grafička tehnika duboke štampe, dobijena mehaničkom metodom direktnog graviranja u metalnu ploču, karakteristična po svojim baršunastim linijama.

Suva igla je vrlo atraktivna i popularna grafička tehnika neposrednog urezivanja linija u površinu metalne ploče. Ovom tehnikom se postiže otisak sa vrlo sočnom grafičkom slikom, komponovanom od izražajnih kontrasta i baršunastih linija. Ova tehnika nalazi svoju primjenu i kao dopuna pri oblikovanju i korekciji u drugim tehnikama duboke štampe, bakropisu, bakrorezu, itd. Takve primjere kombinovane tehnike nalazimo kod umjetnika kao što su Rembrandt, Francisco Goya i mnogi drugi. Klasičan materijal je bakrena ili cinkana ploča koja se gravira oštro brušenim i različito profiliranim čeličnim iglama. Jačim ili slabijim pritiskom igle ostvaruje se dublja ili plića linija. Zbog osjetljivosti dobijenih brazdi na pritisak prese, ova tehnika nije pogodna za ostvarenje velikog tiraža.

MONOTIPIJA

monotipija

Monotipija je vrsta grafičke tehnike. Kod monotipije je karakteristično to što se može napraviti samo jedan otisak (mono=jedan). Upravo zato mnogi negiraju monotipiju kao grafičku tehniku, jer ne omogućava umnožavanje, kao jednu od osnova grafike.

SITO ŠTAMPA

Sito štampa spada u tehniku propusne štampe s mogućnošću štampe na različite materijale. Štampa se ostvaruje na način da se boja potiskuje kroz štamparsku formu koja je izrađena od svile koja je zategnuta na drveni ili aluminijumski okvir. Svila može biti različite gustine, odnosno zavisno od materijala na kojem se štampa i od boje kojom se štampa.

SLIKARSKE TEHNIKE

Baveći se galerijskim poslom često sam bio u situaciji kada je bilo potrebno nekom objasniti,   kojom tehnikom je neka umjetnička slika izvedena. To je možda i razumljivo jer ima tehnika koje na prvi pogled imaju dosta sličnosti i teško je sa sigurnošću odmah to prepoznati (akril i ulje, akvarel i gvaš), pa ovom prilikom želim da o slikarskim tehnikama dam kraća objašnjenja. Običan građanin koji nije imao tu vrstu interesa i priliku da posjećuje galerije i susreće se sa umjetničkim slikama, likovno je manje upućen, i teško može neke tehnike da prepozna i da ih razlikuje.  Zanimljivih komentara i „bisera“ uvijek bude kada to i ne očekujemo. Danas postoji mnogo slikarskih tehnika kojim umjetnici stvaraju svoja umjetnička djela. Navest će mo one tehnike koje se danas najčešće koriste i njihove osnovne karakteristike.

AKVAREL

dusan-djukaric-akvarel-leto-u-beogradu-28x38-cm

Sama riječ akvarel dolazi od riječi akva (aqua)- voda, koja je latinskog porijekla. Italijani su tu riječ pretvorili u akvarelo (aquarello) i to u našem prevodu znači vodena boja. Vodom razrijeđene boje se na papir nanose mekanim kistovima. Papir koji se koristi za slikanje akvarelom treba da bude visoke gramaže, te da se dobro nategne na ravnu površinu da ne bi dolazilo do savijanja.

U tehnici akvarela se ne koristi bijela boja, pošto svijetle i tamne tonove dobijamo dodavanjem više ili manje vode. Dijelovi slike koji treba da ostanu bijeli, ostavljamo neslikanim.

Akvarelne boje karakteriše prozirnost i prozračnost te se slikanjem boje na boju mogu dobiti izvanredni tonaliteti poetičnog karaktera.

Dva osnovna načina rada akvarelnim bojama su:

– Rad na suvoj podlozi

– Rad na mokroj podlozi

AKRILNE BOJE

images

Akrilne boje su vrsta brzosušećih boja koje se sastoje od pigmenata pomiješanih sa emulzijom akrilnih polimera. U svježem stanju mogu se razrijeđivati vodom dok su kada se osuše vodootporne. U zavisnosti od toga sa koliko su vode rastvorene, ili od dodatka akrilnih gelova, akrilne boje mogu podsjećati na uljanu boju, akvarel ili dobiti neke sasvim nove osobine.

Veoma su postojane, ali kako se radi o relativno novoj tehnologiji, vrijeme će tek pokazati njihov pravi vijek trajanja. Za sada ne pokazuju znakove propadanja, barem kad je u pitanju slikarstvo, i pod uslovom da se čuvaju u adekvatnim uslovima.

Pogodne su za slikanje na papiru, kartonu, drvetu ili platnu, ili bilo kojoj nemasnoj podlozi.

GVAŠ

images (2)

Gvaš podrazumjeva slikanje vodenim bojama koje su pomiješane sa pokrivnom bijelom bojom. Zbog toga su, nasuprot akvarelnim bojama, neprozirne. Pigmenti boja su povezani gumiarabikom, dekstrinom ili sintetičkim ljepilom. Gvaš boje postaju svijetlije prilikom sušenja i nisu otporne na vodu. Tehnika gvaša se najčešće koristi u slikarstvu minijatura ili pripremi slika u ulju.

KOLAŽ

kolaz

Kolaž (fr. coller- lijepiti) je likovna prije svega slikarska, tehnika koja se koristi lijepljenjem raznih materijala na podlogu. Na jednoj površini montiraju se najrazličitiji prethodno pripremljeni materijali (prevashodno papir, ili tkanine, splet žice, lišće itd.) Kolaž je počeo da se koristi u kubizmu; Od tada su ga koristili predstavnici različitih umjetničkih strujanja i dalje ga razvili (dadaizam, nadrealizam, futurizam, pop art). Širenjem kolaža nastali su između ostalog „combine painting“ i asamblaž. Djelimično eliminisanje odnosno izmjene montiranih elemenata dovodi do dekolaža.

PASTEL

images (1)

Pastel (ital. Pastello) je umjetničko djelo izrađeno pastelnim bojama. Pastelna boja je pisaljka u boji, zapravo oblikovana masa. Kredasta suva boja od veoma redukovanih vezivnih pigmenata, presovana u obliku pisaljke. Budući da zahvaljujući vezivnim sredstvima prelamanja svjetlosti gotovo da i nema, dovode pastelne boje do veoma intenzivnih efekata boje. Ove boje pokazuju neobično bogatu koloritnu skalu i mogu da se miješaju na samoj osnovi na kojoj se crta.

Najčešće slikari koriste suhi pastel (kreda),  tu je još i uljani pastel kao i voštani pastel ( koriste ga najčešće djeca pod nazivom masna bojica). Suhi pastel je tehnika koja nije postojana ukoliko se ne fiksira (lakira) lakovima koji su za to namijenjeni.

TAPISERIJA

images (3)

Tapiserija je posebna slikarska tehnika. Tapiserija je vrsta tkanog ćilima okačena je na zid i predstavlja tepih sa slikom koji služi za ukrašavanje enterijera – preovlađuje vuna. Između niti osnove provlače se niti potke koje oblikuju motive. Provučene niti pritiskuju se „češljem“ i tako nastaju gusti, jednolični, paralelni radovi.

U savremenoj umjetnosti se tapiserija upotrebljava za ukrašavanje prostorija reprezentativnog karaktera. Danas je tapiserija otišla mnogo dalje od običnog tkanja pa je tako i tapiserija danas dizajnersko i arhitektonsko djelo, skulptura, scenografija, ilustracija, crtež i priča.

ULJE

1013854_602872319806472_371348885_n

Ulje ili uljana tehnika je slikarska tehnika u kojoj je pigment boje spojen pomoću ulja. Ova tehnika se raširila u doba pozne gotike a nastala je u 15. vijeku nakon slikanja temperom i potrebe za prevazilaženje ograničenja koje ova tehnika ima. U 16. Vijeku bilo je uobičajeno da se ova tehnika kombinuje sa temperama a Peter Paul Rubens upotrebljavao je paralelno temperu i ulje.

Privilegija uljanog slikarstva je jasnost i relativna trajnost slike i boje. Samo slikanje ne mora da se odvija brzo i dozvoljava razne korekcije slike i upotrebu lazurnih boja. Nedostatak je sporo sušenje boje, ako se to uopšte može prihvatiti kao nedostatak. Meni kao slikaru kod rada uljanom bojom odgovara sporije sušenje jer ostavlja vecu mogućnost za raznovrsne intervencije dok ne realizujem ideju koju sam zamislio. Prethodnik uljane boje je bila tempera od žumanaca jaja.

Kao podloga za slikanje uljanim bojama najčešće se koristi platno, drvo, karton, staklo. Slikanje na platnu je i najprihvatljivije jer je moguće praviti slike velikih formata, što na dasci nije bilo moguće a drugo što zrnatost platna odgovara mnogo više slikarskom ukusu nego je to daska. Prema savremenom iskustvu, laneno platno je najkvalitetniji materijal. Slikanje iza stakla se javlja već u 18. vijeku kao narodna umjetnost, danas ga isto mnogo koriste „naivni“ umjetnici, dok slikari rjeđe i pored velike skale tehničkih mogućnosti koje se samo u ovoj tehnici mogu postići. Kod nas poznata kao „naiva“!

ŠTA ČINI JEDNO REMEK-DJELO?

KartasPrije par sed­mica jedan bliski pri­jatelj mi je postavio sledeće pitanje: šta je to što čini neko umjet­ničko djelo “remek-djelom”, po čemu se ono zapravo razd­vaja od drugih dobrih djela koja nemaju taj atribut “remek”? Priz­na­jem da sam nisam nikad pokušao dati defini­ciju ovoga, te sam se dobro zamis­lio i iz toga je nas­tao ovaj tekst. Za ovu pri­liku sam se bavio samo dje­lima likovne umjet­nosti, obzirom da se ona najčešće i nazi­vaju remek-djelima te da je književna ili rec­imo pozorišna djela lakše defin­isati u tom smislu.

Prije par sed­mica jedan bliski pri­jatelj mi je postavio sledeće pitanje: šta je to što čini neko umjet­ničko djelo “remek-djelom”, po čemu se ono zapravo razd­vaja od drugih dobrih djela koja nemaju taj atribut “remek”? Priz­na­jem da sam nisam nikad pokušao dati defini­ciju ovoga, te sam se dobro zamis­lio i iz toga je nas­tao ovaj tekst. Za ovu pri­liku sam se bavio samo dje­lima likovne umjet­nosti, obzirom da se ona najčešće i nazi­vaju remek-djelima te da je književna ili rec­imo pozorišna djela lakše defin­isati u tom smislu.

Moj prvi instinkt u ovoj prob­lem­atici je bio pomalo ciničan. Ovog ljeta sam imao pri­liku da pos­je­tim Pariz, divan grad koga najčešće vezu­jemo za umjet­nost i u kom sam imao pri­liku da pos­je­tim neko­liko najvećih muzeja i galer­ija. Dok sam sje­dio u Notr Damu jedna grupica mlađih Amerikanaca (uvi­jek znate ko su, jer su najbučniji) je komen­tarisala muzej koji su pos­jetili i jedan mladić među njima je dao sledeću ocjenu: “nije to ništa tako speci­jalno, na kraju kra­jeva, sav kvalitet im leži u tome što su poz­nate”. Nar­avno, nje­govo objašn­jenje je zvučalo mnogo aro­gan­tije i neoz­biljnije da me je u trenutku nalju­tilo, ali kada ga se sada sje­tim moram priz­nati da donekle ima pravo. Luvr svakog dana pos­jete dese­tine hil­jada ljudi, ali samo sam ispred Leonar­dove “Mona Lize” zatekao ogromnu i zaista nepri­jatnu gužvu. Osim što je bila nepri­jatna ona je bila i besmis­lena, jer nije muzej rok kon­cert pa da možete u njemu uži­vati dok vas guraju i gaze sa svih strana. A čemu to? Mona Liza jeste lijepa slika i ima svoj značaj u umjet­nosti, ali tolika fasci­nacija njom dolazi isključivo iz njene pop­u­larnosti, a ta pop­u­larnost opet dolazi od čin­jenice koja nema veze sa umjet­nošću. Naime, svoju pop­u­larnost Mona Liza je stekla zato što je bila ukradena. Dakle, mladi aro­gantni Amer je bio u pravu: ljudi se veći­nom lijepe za ono što im je poz­nato jer nije nikakva tajna da većina i ne razu­mije umjet­nost (niti ih ona pret­jer­ano intere­suje, ali u svim tur­is­tičkim vodičima stoji da se muzeji tre­baju pos­jetiti) te samo konzu­mira ono što im je servirano.

images

Vincent_Willem_van_Gogh_128

Ipak ovako mračan zaključak ne treba izvlačiti, prije svega zato što pos­toje ljudi koji razu­miju i vole likovnu umjet­nost (kao i sve druge) i koji su više nego poz­vani da tumače i komen­tar­išu šta je to remek djelo. Prethodni cinični komen­tar nam samo kaže da remek-djelo nije ono oko čega se većina slaže, jer time umjet­nost pret­varamo u pop-muziku i oduz­i­mamo joj svaki suštin­ski značaj. Tra­ga­jući po inter­netu za tumačenja remek-djela naišao sam na sledeću defini­ciju: “Kvalitet umet­ničkog dela se obično pro­cen­juje na osnovu količine stim­u­lacije koju ono izaziva — uti­sak koji ono ostavlja na ljude, broj ljudi u kojima je to delo iza­z­valo neku emo­ciju, u kolikoj meri to delo se ceni, kao i efekat ili uti­caj koji to delo ostavlja ili je ostavilo u prošlosti. Većina umet­ničkih dela koja se gen­er­alno sma­traju remek-delima pose­duje ove atribute”. Čini se da je ova defini­cija zaista dobra, malo šta joj se može dodati i oduzeti, tim više što je sasvim u skladu sa klasičnom defini­ci­jom suš­tine drame koju je dao Aris­to­tel. On kaže da se kvalitet jedne tragedije oči­tuje u tome da li je ona u nama proizvela katarzu, da li nas je nat­jer­ala da toliko jako osje­timo emo­cije iz nje da pus­timo suze (ili u slučaju komedije, da se iskreno smi­jemo). Emo­cija prouzroko­vana u drugima je onda suština kvaliteta jednog djela.

download

Nešto ipak fali ovoj defini­ciji. Kao što sam rekao, ona je naiz­gled dobra, ništa joj ne treba ni dodati ni oduzeti, ali njen cilj nas ne može zado­voljiti. Zaključili smo da je količina i inten­zitet emo­cije ono što svako remek-djelo mora prouzroko­vati u nama (kao i uti­caj koji ono ostavi na čitavo društvo, ali o tome ovdje nećemo dalje), ali kakva je zapravo ta emo­cija, koja je njena suština? Svako ko je ispred sebe imao neko vri­jedno umjet­ničko djelo mogao je da iskusi ovakvu emo­ciju i nevezano da li je ta emo­cija bila pretežno tužna, srećna ili jed­nos­tavno neo­bična, pos­toji nekakva sličnost između svih njih. Kakve su te emo­cije, odakle one dolaze je najbolji način da otkri­jemo šta je to što dodaje taj pre­fiks “remek” jed­nom umjet­ničkom djelu. Za tako nešto u pomoć ću poz­vati Imanuela Kanta, koji je po mom mišl­jenju na najbolji način objas­nio ovu prob­lematiku. Možda moj odgovor na pitanje postavl­jeno u uvodu onda neće imati pečat autorstva, ali nema potrebe da pokušavam da smis­lim svoje rješenje kada je pitanje zapravo već bilo odgovoreno.

42927_721px-rembrandt_night_watch_1642_blogshow

Kant u svom djelu “Kri­tika moći suđenja” želi da odgov­ori na pitanja ukusa, na mogućnost pos­to­janja estet­skog čula odnosno na pitanje šta je to što je lijepo i zašto nam se ono pokazuje na taj način. Da bi to uspio on je uveo pojam koji možda zvuči rogo­b­atno — “svrhovi­tost bez svrhe”. Neupućen­ima u filo­zofiju će ovakva kon­struk­cija odmah djelo­vati daleko i suviše “filo­zof­ski” (a to u nji­hovom rječniku odmah znači i glupo, naopako, daleko od stvarnosti). Ali ako imamo u vidu da se ovdje bav­imo kom­p­liko­vanim stvarima nije neo­bično da su nam i ter­mini kom­p­liko­vani. Svrhovi­tost bez svrhe je zapravo opis osjećaja koji imamo kada prim­je­timo nešto lijepo, kao što je rec­imo jedno lijepo umjet­ničko djelo. Ono što se u njemu prim­jećuje je rec­imo savršen sklad, iskrena emo­cija, jak nar­a­tiv (ili bilo koja druga vrlina koju jedno djelo može imati) i samim tim se u nama stvara osjećaj da jedno takvo djelo mora imati važnu svrhu u ovom svi­jetu (kao što svrhu imaju mora, pla­nine i slično), tj. da ono ne pos­toji čisto onako, ne egzi­s­tira bez smisla. Ali tu svrhu naš razum jed­nom umjet­ničkom djelu ne može naći, jer je svjes­tan da ono pos­toji samo zato što je neki autor bio u kreativnom zanosu i da bi svi­jet mogao funkcionisati sasvim dobro i bez nje­gove kreacije. Upravo taj sukob koji se u nama dešava, sukob između naše uobrazilje koja želi da onome što je skladno/savršeno/dobro nađe mjesto i svrhu u ovom svi­jetu (jer želi upravo takav svi­jet) i razuma koji je deduko­vao da takva svrha ne pos­toji, a i dalje je traži dovodi do osjećaja koji nazi­vamo lijepim, dovodi do one snažne i pomalo zbun­ju­juće emo­cije koju imamo kada pred nama ugledamo jedno remek-djelo (moj prvi takav osjećaj je iza­z­vala slika “Povratak bludnog sina” Rem­branta van Rijna). Emo­cija jedino i može biti zbun­ju­juća jer takvo je čitavo naše estet­sko čulo, ono istovre­meno osjeća i pokušava da objasni i zato se gubi, zato ne može sama sebi da se objasni. I zbog toga nikad neće pos­to­jati recept kako naprav­iti remek-djelo, jer razum­ski to nikad nećemo moći da razu­mi­jemo, možemo samo da osjećamo na način koji se raz­likuje od svih drugih osjeta.

 Preuzeto od: prof.Stefan Đukić

SURREALSTIČNE SLIKE

Vladimir Kush jedan je od najvećih surrelističnih umjetnika danšnjice. Ovaj Rus, rođen je 1965. godine u Mosvki, gdje je i završio “Moscow Higher Art and Craft School”. Međutim trebalo je sve do 1993. da se njegov rad primjeti kada je jedan trgovac iz Francuske organizovao njegovu izložbu u Hong Kongu.  Izložba je nadmašila sva očekivanja, a od tog dana, Kush je postavio sebe na svijetsku likovnu mapu. Danas, Kush ima 4 galerije  u SAD-u s budućim planovima za otvaranje više galerija širom svijeta.

Kako to izgleda pogledajte 🙂 surreal-painting-vladimir-kush (1)  surreal-painting-vladimir-kush (4)  surreal-painting-vladimir-kush (5)  surreal-painting-vladimir-kush (6)  surreal-painting-vladimir-kush (7) surreal-painting-vladimir-kush (8)

surreal-painting-vladimir-kush (9).preview  surreal-painting-vladimir-kush (10)    surreal-painting-vladimir-kush (11)  surreal-painting-vladimir-kush (12)  surreal-painting-vladimir-kush (13)

surreal-painting-vladimir-kush (14)  surreal-painting-vladimir-kush (15)    surreal-painting-vladimir-kush (16)  surreal-painting-vladimir-kush (17)  surreal-painting-vladimir-kush (18)   surreal-painting-vladimir-kush (20)  surreal-painting-vladimir-kush (21)     surreal-painting-vladimir-kush (22).preview

surreal-painting-vladimir-kush (24)